Entrevistas, Dirección de Arte y Fotografía por Asad Sheikh.
Anmol Venkatesh
La licenciatura: Licenciatura en Diseño (Diseño de Moda)
Ciudad natal: Bangalore
¿Cómo presentarías tu colección de posgrado?
Baara Thangi es una fusión del pasado y el presente; está impregnado de nostalgia y, sin embargo, tiene elementos que resaltan los aspectos gráficos más extravagantes de quién soy hoy. Esta colección Pre-Fall pone la artesanía en el centro, con énfasis en el bordado a mano, la impresión en bloque a mano y el acolchado a mano, y atrae a cualquiera que aprecie un enfoque más lento y consciente de la vida.
“Baara thangi” se traduce literalmente como «ven, hermana» en kannada; es un término cariñoso, que me retrotrae a una infancia definida por una forma de vida de espíritu libre. Esta colección impulsa al usuario a buscar un futuro que valore las artesanías que son atemporales y que mantenga vivo a ese niño extravagante en todo momento.
¿Cuáles son los conceptos subyacentes, las inspiraciones principales, detrás de su colección?
Busco inspiración en una búsqueda de vida más sostenible y que defienda la virtud del reciclaje. Me inspiré en mi educación, y la de mucha gente de mi generación, a principios de la década de 2000, en un Bangalore que todavía tenía cierto encanto del viejo mundo. También dibujé recuerdos de la infancia de exquisitos patrones de kolam. [decorative designs drawn on the ground, traditionally with rice flour, in southern India] esparcidos por caminos de alquitrán negro azabache, la comodidad de los saris de algodón de mi abuela, el trabajo de kasuti blanco puro [a type of counted-thread embroidery practised in northern Karnataka] en ropa tradicional y telas Madras lungi, y las combinó con motivos de corazones más extravagantes, o siluetas que son geométricas y asimétricas.
Muchas de mis telas fueron cuidadosamente recolectadas de tiendas de saris de segunda mano o donadas por mi abuela u otros parientes en casa. Period importante no utilizar telas nuevas y reutilizar desechos de telas o textiles que tuvieran historias que contar. También quería presentar textiles y artesanías que son comunes a nuestra existencia cotidiana de una manera que nos impulse a mirarlos a través de una nueva lente.
Cuéntanos sobre las técnicas que has utilizado y tu ideología de diseño.
Mi proceso de diseño comenzó enriqueciendo la narrativa que quería generar a través de la colección. Esto implicó la curaduría extensiva de imágenes que luego se convirtieron en tableros de humor muy detallados. Fue un reflejo de lo importante que es la artesanía para mí y representó una combinación perfecta de texturas que podrían combinarse con un ajuste fino de una paleta de colores.
Luego me embarqué en un viaje de un mes a los grupos de artesanías de donde provienen estas tradiciones. Primero fui a grupos de tejidos de lungi alrededor de Cuddalore, en Tamil Nadu, donde se tejen cheques Madrás para la exportación. Entendí el esfuerzo que se hizo para crear algo que había dado por sentado mientras crecía: el humilde lungi ahora tenía mucho más que contar.
También visité Ilkal, en el norte de Karnataka, donde se tejen los famosos saris Ilkal y se terminan tradicionalmente con trabajo kasuti. Aquí, nuevamente, los motivos y las técnicas que se habían perfeccionado durante siglos cobraron vida frente a mí.
Había estado trabajando simultáneamente en el acolchado de telas recicladas y juntando fragmentos de viejos saris, dhotis y textiles que había recolectado durante mi tiempo en NIFT. Las siluetas que tenía en mente se basaron en gran medida en la creación de patrones con desperdicio mínimo y tenían una asimetría geométrica que period parte integral de ellos.
¿Podrías describir tu look favorito?
Mi look favorito consiste en una chaqueta acolchada a mano con patrones muy detallados de kasuti y kolam bordados. La tela base tardó más de una semana en ser cuidadosamente acolchada a mano, y luego fue sobreteñida para adaptarse a la paleta de colores. La chaqueta consta de un panel frontal asimétrico, unido desde cada hombro. Estos paneles tienen rayas sutiles, una imitación de un camino de alquitrán negro con kolam. El patrón se inspira en el kimono y los restos de la estructura básica se usaron para crear los cuellos en un intento de minimizar el desperdicio de tela.
Los motivos bordados están dispersos, asimétricos y, sin embargo, equilibrados. Los corazones de coloration lila y rosa brillante agregan ese toque de coloration tan necesario y dan vida a una sensibilidad más peculiar que quería resaltar. Pequeñas chucherías hechas con botones de tela, cuentas de steel y encajes sobreteñidos se han adherido en ciertos lugares, casi como pequeños secretos esperando a ser descubiertos. La chaqueta está forrada con un lungi sobreteñido.
El high lila que se lleva debajo se ha confeccionado íntegramente con un sari de seda reutilizado. Las borlas trenzadas de cada hombro están atadas en la parte delantera, imitando elementos que he observado en la ropa de los niños. Los botones de bucle de colores brillantes mantienen la parte superior en su lugar en las costuras laterales.
Culottes estampados en bloque completan el look, y estos se mantienen en su lugar en la cintura mediante el uso de telas lungi que se han convertido en borlas.
Las conversaciones sobre la representación private son cada vez más importantes en el mundo de la moda precise. En ese sentido, ¿cómo dirías que tu trabajo refleja quién eres?
Como alguien que no se viste de acuerdo con las normas de género convencionales, no quería imponer lo mismo en mi colección. Por ejemplo, usar el lungi, que es una tela que tradicionalmente usan los hombres, como parte de las prendas que puede usar cualquier persona, independientemente del género, refleja el mismo sentimiento.
¿Qué formato traduciría mejor su trabajo al consumidor: espacios comerciales físicos, tiendas en línea, demi-couture o simplemente como una forma de consumo visible solo a través de imágenes?
Mi trabajo es muy textural. Se traduciría mejor cuando se exhibiera en un espacio físico, ya sea una tienda minorista o una exhibición de algún tipo. Estos, complementados con imágenes, movies y otros medios de visualización digital serían ideales. Para mí es muy importante que la gente realmente interactúe con la ropa y entienda de dónde vengo.
¿Cómo ha afectado el cambio hacia la moda digital a tu proceso creativo?
El cambio hacia la moda digital es sin duda una bendición para alguien como yo, que está orientado a reducir el desperdicio textil: me permite hacer cambios digitalmente antes de implementarlos en las telas. Sin acceso a muchos recursos, trabajar en prototipos 3D digitales ha sido un salvavidas para mí. Teniendo en cuenta lo rápido que es el mundo digital, mi proceso creativo recibe un impulso y puedo permitir que mi visión se traduzca en ropa a un ritmo mucho más rápido.
